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Jul 31, 2023

La escultura sonora de Camille Norment

EN EL PRINCIPIO hubo vibración: el pulso originario a partir del cual todo en el universo surge. El sonido es una vibración unidireccional, ese motor fundamental de la materia, que tiene sentido. Para el

EN EL PRINCIPIO hubo vibración: el pulso originario a partir del cual todo en el universo surge. El sonido es una vibración unidireccional, ese motor fundamental de la materia, que tiene sentido. Para la gran artista y compositora Camille Norment, el sonido es a la vez un material esencial para su práctica (que abarca la escultura, la instalación, el dibujo, la música y la actuación en vivo) y un catalizador para la reorganización y la revitalización de la percepción, la relación y la la atención que prestamos a los mundos interior y exterior. “Creo en la metáfora sonora”, dijo en una conversación pública con Axel Wieder, director del Bergen Kunsthall en Noruega y cocurador (con Silja Leifsdóttir) de “Gyre”, la fascinante exposición de Norment allí. Según el diccionario, un giro es "un movimiento o forma circular o en espiral"; Según la muestra, es un esquema posible (dinámico, de retorno) a través del cual captar cómo y qué proponen, o aflojan o transmiten las nueve obras expuestas a la reverberante materia gris de una mente.

Durante casi tres décadas, Norment, nacida en Estados Unidos y radicada en Oslo, ha dirigido el sonido a través de materiales como vidrio, madera, acero y papel, a menudo a través de transductores guardados dentro de sus esculturas, que reproducen las grabaciones que crea en vivo. el espacio expositivo o antes de la exposición. (Sus exposiciones más recientes incluyen la 56.a Bienal de Arte de Venecia en 2015, en la que representó a Noruega, y una presentación de dos obras monumentales en la Dia Art Foundation de Nueva York en 2022. Este año también recibió el premio Nam June Paik 2023). Pensar en la escultura como una especie de instrumento expande instantáneamente el ámbito de las artes visibles (para tomar prestado del filósofo Jean-Luc Nancy) para incluir lo invisible: las artes auditivas y hápticas, el oído y el sentimiento. (El llamado de Norment a ampliar los medios de aprehensión se resiste a la orden tácita del arte a todos los espectadores: ¡no tocar!) En la primera sala de “Gyre” hay una instalación de fantasmales bancos de pino pálido, cuyo extenso título es una invitación de Norment a descansar y restaurar, para conectarse dentro y con el entorno exterior:

Sus instrucciones preparan el escenario para una actuación pública de uno mismo (aunque silenciosa y en gran medida para uno mismo) dirigida por la atención a los movimientos y ritmos no programados del propio cuerpo. Según lo escrito por Norment, “tú” eres el centro de esta experiencia. Pero el interior de uno no es un territorio ordenado, sino que está formado en parte por el inevitable flujo osmótico de información (bienvenida o no) procedente de fuentes y fuerzas externas, y a lo largo de la exposición, el sonido subraya la porosidad de uno mismo, no sin un poco de descaro. . Sentado en los bancos de Respira lenta y profundamente. . ., es posible que de repente escuches un coro de voces cantando desde debajo de tu asiento, el sonido reverbera a través de la madera y te hace cosquillas en el trasero. Sientes el trabajo como el trabajo te siente a ti.

Una forma de “compartir esta resonancia” (como sugiere Norment) es el modelo de Sin título (Bellhorn), 2022, una brillante y magistral escultura de latón instalada en medio de una galería que de otro modo estaría vacía. Aproximadamente cinco pies de alto, su forma es como el cuerno de una tuba de gran tamaño, perfectamente cerrado en un extremo para mantener el equilibrio en posición vertical, con sus amplias fauces abiertas hasta el techo. Suspendido justo encima hay un hilo largo y grueso que se junta en un colgante lacrimoide fundido, en el que Norment ha escondido un altavoz. Cuatro micrófonos apuntan desde las cuatro esquinas de la sala hacia la escultura, grabando los sonidos ambientales de los visitantes y de la sala (fragmentos de conversación, pasos, crujidos de ropa), todo ello ingresado al altavoz en bucles que a su vez hacen eco dentro de la boca de Bellhorn. y más allá. Cada sonido es un registro del oyente; cada oyente está impregnado de sus propios sonidos. Como señaló el autor y artista sonoro Jace Clayton sobre este trabajo en su reseña. de “Plexus”, exposición de Norment en Dia: “La retroalimentación es maquinaria que dice 'Yo soy lo que soy'”. La retroalimentación es también arquitectura que declara lo mismo, o al menos completa el coro. Menos audibles, quizás, pero no menos presentes, son los efectos y distorsiones del contexto.

Tus estelas sónicas se reprodujeron hacia ti, que ahora estás incorpóreo y dislocado de tu propio ruido; es posible que no reconozcas el origen de los sonidos que escuchas. Norment no dice dónde, y prefiere que tú experimentes eso. Tendrías que leer las notas de la exposición para saber cómo funcionan las obras (o no), y permitirte la amplitud mental para considerar cualquier sospecha que surja. Estos tira y afloja entre legibilidad y abstracción, entre presencia y ausencia, a veces evocan la sensación de fantasmas en la habitación, de espíritus que de repente animan las esculturas que de otro modo estarían inmóviles, moviéndolas y dándoles voz. Pero Norment también infunde a Bellhorn una cualidad de silencio, de no habla, reproduciendo fragmentos de estática extraída de transmisiones de radio de las décadas de 1960 y 1970 que informaban sobre “luchas sociales y ambientales”. Al realizar la cesura, el artista ofrece una manera de escuchar entre líneas la historia.

En el suelo yace la oxidada Bobina, 2023, compuesta por piezas de soportes de ferrocarril de acero y tubos de construcción apilados en un círculo destrozado. Del metal se eleva el sonido de los dientes castañeteando en un staccato casi mecánico. No pude evitar pensar primero en la quietud del minimalismo: el machismo impasible que Richard Serra proyecta a través del resistente Cor-Ten, por ejemplo, o el aura funeraria que exudan los fríos objetos inmovilizados en el suelo de Carl Andre. Pero aquí los materiales de Norment, moviéndose a la velocidad de la erosión, también se acercan al habla, y sus alusiones a la maquinaria y la arquitectura son superadas por la imagen sonora de una boca. Cerca cuelgan tres dibujos de este año titulados Gravedades efervescentes 1, 2 y 3, hechos de hierro, agua de lluvia, lápiz, tinta y sangre que se han movido sobre acetato o papel de trapo de algodón mediante vibración, o el uso de imanes, o simple gravedad. . En esencia, mapean las fuerzas que ellos mismos crean, al igual que el par de bolas Baoding en el cuenco de latón en el centro de Everyting but Noting, 2023, una escultura montada en un soporte de tambor en la pared de la última sala del exhibición. El cuenco está colocado encima de un par de almohadillas para auriculares. Sin previo aviso, las bolas dentro de él tiemblan y ruedan (coreografiadas por el sonido, se supone, pero ¿de qué?) El metal roza el metal, creando un tono punzante. En la esquina se encuentra Frisson, 2023, una impresionante esfera de acero inoxidable que también emana sonidos, pero en este punto de la muestra, el efecto acumulativo de tantas obras “cantando” es que el interés por conocer la fuente es superado por el deseo de quedarme ahí y simplemente escuchar. (Una confesión: The First Conscious Moment, 2023, de Norment, se describe en el folleto del programa como un “punto de tinta”, pero no me di cuenta cuando lo visité. Supongo que es una broma).

Norment no es la única que cree en la metáfora sonora. El libro de la académica Tina M. Campt Listening to Images (2017) ofrece el sonido como modelo de la forma en que las imágenes de archivo de y por los negros en la diáspora son captadas, percibidas y cómo esas imágenes, a su vez, resuenan en posibles futuros negros. In the Break: The Aesthetics of the Black Radical Tradition (2003), del poeta y teórico Fred Moten, es una meditación sobre el jazz y la improvisación, que rastrea los numerosos contextos, registros y efectos de la interpretación negra. En su ensayo de 2010 “Extensiones musicales de dimensiones infinitas”, el fallecido percusionista y sanador Milford Graves señaló el conocimiento potencial adquirido mediante la ingesta física de sonido: “A través de nuestros receptores sensoriales y transductores biológicos, es posible y permisible descifrar creativamente el Energías ocultas y ocultas dentro y más allá del universo”.

Al distinguir lo sonoro de lo lingüístico, el trabajo de Norment propone un replanteamiento de la tarea ecfrástica, exige una forma que transmita sin analogía, que sea, en el mejor de los casos, una articulación aproximada que resta precisión no sólo a una experiencia sino también a su aprehensión. “Las palabras son caparazones llenos de clamor”, señaló Gaston Bachelard sobre los miserables contenedores que usamos y reutilizamos para capturar el presente desenfrenado y cacofónico. Atrapar en tinta lo que de otro modo estaría siempre en movimiento en el éter es traicionar las posibilidades salvajes, la retroalimentación, de la mente y la materia. La metáfora sonora, capaz de expresar lo que no se puede decir, abre el mundo a nuevas formas. Todo lo que tienes que hacer es escuchar.

—Jennifer Krasinski

“Camille Norment: Gyre, the Festival Exhibition 2023” en Bergen Kunsthall, Noruega, estará abierta hasta el 13 de agosto.